现在书法界有一个问题，就是模仿成风——模仿古人、模仿名人书法的外形式成为一种主流形态。全国性的展览，也在引导这种风气。有些模仿甚至很初级，只是外形有点像，他就能入选全国展。回归传统并非复制传统，认识不清楚结果自然会停留在视觉模仿的阶段。这也是审美标准中出现的一个“不标准”问题。怎么理解传统？现在我们竞技性的书法比赛，通行的是强调传统里边视觉效果这一部分，以古人名篇镜鉴今人书作，从某一个纯粹的技术角度来评论参与作品水准的高低优劣。我也不是要全盘否定现在的书法评审机制，我们现在的评审机制，虽然只是一种适应“普及”工作的较为简单化的机制，但这种机制在促进新时期书法的发动和形成规模性上，曾经起过巨大的历史作用。只不过走到今天需要变革的深化。如果既不改革，还要进而滥用“回归”，那就要走向艺术原始精神和理想的反面，就会“遗珠”遍地、“书匠”盛行。试想一下，如果用现在这种简单化的评审机制，我们欣赏苏东坡《寒食帖》这样的作品，就只能看字的大小错落、行距的参差变化这些技术方面，根本看不出苏东坡创作《寒食帖》时的人文生态环境和艺术精神境遇。而恰恰是其特殊的人文生态环境，才赋予了《寒食帖》这类艺术珍品的文化含金量，及其在书法史上所拥有的里程碑式的艺术史价值。
苏东坡本人曾经说过：“古人论书，兼论其人生平；苟非其人，虽工不贵。”这是很有名的书法评价标准，他提出了“工”和“贵”两个审美范畴。“工”就是要承认你的书法技术，不是说你这个人品德不好字就写得不好。但是，你“工”书，并非就“贵”。这个“贵”就是人文价值尺度。王铎“工”书，他技术上好，但他当了汉奸，按我们民族国家的历史价值观来看，他的字就是“虽工不贵”。现在我们论书，一般也就只能看视觉上的效果，大家只能用技术性参照物去比较它。比如这个作品像王羲之，第一印象不错，就认为写得好，而缺少对一个书法家的身份与作品关系进行深度分析的评价。我们想说《红楼梦》好的时候，起码要在家里费时间读完它、读通它、研究它。而书法水准评定，评委们必须在几秒钟之内就要做出判别，这是什么样的“火眼金睛”？显然，评委们无法“兼论其人生平”，甚至根本就不想“兼论其人生平”。这就把审美标准局限在很狭窄的一个范围：这一点像不像米芾、那一画像不像颜真卿……只见枝叶，不见树林，只能局限在表面的技术层次进行审美判断。虽然照例都有“难免遗珠之憾”的谦虚补白，但一届竞赛下来，遗失的珍珠也许比捞起的还要大、还更有价值。
书法是中国传统艺术的精华。我们对传统的理解，应该是多方位、立体式的，而不仅仅是看到这个字技术操作方法。比如王羲之的《兰亭序》，为什么好？不仅仅在于它的笔墨，也在于这种笔墨的人文根基。王羲之在兰亭集会时，用一篇序文表达了他们这一群文人超逸的人生价值观念。而且，他写的这个行书，是在锺繇那个时代之后，把行书、楷书完全从隶书中独立出来。还有，他写这个作品的时候，完全是一种感情的直接表达，没有把它当成艺术作品来创作。在原稿上就那么顺手勾、划，甚至留下许多不“完美”的纠错之处。正是这些不完美，记录了当时真实的思绪与情境。等他第二天醒来，想再抄写一件完美序文的时候，时过境迁，怎么也写不出比原稿更好的了。古往今来，但凡推崇《兰亭序》这个传统的，就得把所有这些因素都考虑进去，对王羲之和那个时代的文化生态环境综合做一个评价。这种体验才与传统靠得上边。
同样的道理，颜真卿的《祭侄稿》为什么好？就是它里面的人文关怀，还有作者那种真情的投入，这才是传统的而且今天必须“补课”的审美标准。如果我们真正想继承这个传统，那么，我们在评价作品时，就必须探究今天的书法家怎么样去表达，表达的是什么东西？而且，对这种表达的评定，就不能由几个评委粗率地在几秒钟之内做出判断。就算闪电之间遴选出的作品的确是上上佳品，这上上佳品的内涵也不会是这样几秒钟功夫就吸收尽净了，那也太肤浅了。
所以，继承传统也有高明与拙劣之分。王羲之最高明的继承者有两个，一个是颜真卿，一个是苏东坡。智永虽是王羲之的后人，反倒只继承了一个躯壳，而且继承得还不好。如果学王羲之仅学他的《集字圣教序》，就只能学到智永的技术精华。以形貌类似那一家就认为是继承了那一家，也只有书法界才会有这种浅薄和幼稚的认识误区。还有一点很关键，讨论艺术问题要具体化，不要脱离具体作品去作抽象化的“肢解”。美的成分很复杂，不能单取一种成分断章取义不及其余。这一撇一捺像王羲之，别的你就不管了，那你是把王羲之风干了，把书法传统当成了木乃伊。当然我们不是说，你一定要去过王羲之那种生活，而是要理解他那种精神。文艺复兴就是继承了古希腊的传统精神。我们的陶渊明、李白、杜甫，就传承了、体现着屈原的精神。祖先们就这样一代代生生不息地在继承中发展着。叶秀山说：传统是一条河。他是说传统是一种流动不息、逝者如斯和吐故纳新的活的精神，而不是某种具体的一成不变的视觉规范。
吉公网安备 22060202000206号